Sculpture: aterrizaje estelar en el Tonal2015 con su performance audiovisual

// English version below

El festival de otoño que el Colectivo Laika lleva años organizando, tuvo lugar los primeros días de Octubre en el, ya habitual, escenario del LAVA. El Tonal 2015 nos ha traído a grupos como Biznaga, Perro y Crocodiles, que llegaban por primera vez a Valladolid. A ellos se sumaron en la segunda jornada los grupos locales Frieda's still in love y Erik Urano y Zar 1, junto a Pablo und Destruktion que volvía un año más a pisar el LAVA, y el sorprendente duo Sculpture, cuya frenética propuesta audiovisual nos dejó a todos inquietos y encantados a partes iguales.

 Aterrizados desde Londres, Dan Hayhurst a la música y Reuben Sutherland a la animación desplegaron su conglomerado óptico-musical mezclando música electrónica y animación abstracta en una performance improvisada que no se deja clasificar en el vjing ni en el live cinema, pero que dejó a todos con los ojos abiertos. Les hemos entrevistado para conocer mejor su trabajo:

bit:LAV: ¿Cómo os introdujisteis en la práctica de la música electrónica experimental y vjing?

Sculpture: Reuben tiene experiencia en el diseño, la animación y la fotografía, y yo estoy tratando a largo plazo con una adicción a la música, son sólo artefactos cerebrales que tienen que salir al mundo o me volvería un poco loco. Yo estaba haciendo música en solitario, siempre pensando en el sonido en términos visuales como lugares, entidades o patrones; y estaba realmente influenciado por el cine experimental tanto como la música (por ejemplo los trabajos de Lillian Schwartz, Len Lye, Jordan Belson): la forma en que ese tipo de trabajo se junta cinéticamente, energéticamente y de manera transformadora. También estaba escuchando mucha música concreta y música en casette.

Así que cuando conocí a Reuben (por casualidad, éramos vecinos) y los experimentos que estaba haciendo con la técnica de animación de vídeo del zoótropo y el collage cinético en vivo algo hizo clic de inmediato. Queríamos poner los elementos audibles y visibles juntos en un espacio/tiempo simultáneo y sabíamos que iba a funcionar. Hicimos un show sin ningún ensayo -ZOWEE- y funcionó, así que comenzamos.

b: Estamos muy interesados en la elaboración de mapas relacionales, ¿Cuáles son vuestras influencias? ¿Cuál es vuestra relación con la escena experimental audiovisual en Londres? ¿Participáis en algún grupo, laboratorio, etc.?

S: Reuben está muy influenciado por el cómic y la animación de los primeros tiempos como "Félix El Gato" o los Fleischer Studios; así como las técnicas matemático geométricas como el teselado y las transformaciones digitales y collage.

Somos un poco herméticos y no formamos parte de ningún grupo, pero hemos estado involucrados con Archivos inconscientes, dirigido por la artista de cine expandido y ruidismo Sally Golding, cuyo trabajo es buenísimo. En realidad conocimos a Sally en Madrid cuando tocamos juntos en La Casa Encendida y más tarde nos invitó a participar en algunos eventos en el Reino Unido.

Creo que a pesar de que operamos en un poco de una tangente al cine de artista y al cine expandido, definitivamente hay un vínculo con esas prácticas y con la idea de hacer música visible + audible. Supongo que lo nuestro está más orientado al concierto en un club. Aunque nos metamorfoseamos entre las escenas de la música, los festivales de cine y las galerías de arte y es muy estimulante para nosotros presentar trabajos en esos contextos diversos.

b: ¿Cuál es vuestro proceso creativo? ¿Cuáles son vuestras fuentes?

S: Trato de encontrar material que guíe de alguna manera el camino, establecer condiciones donde pasen cosas interesantes y donde se active el rol del artista como investigador y editor. Así, por ejemplo, yo uso un montón de cintas encontradas, las corto al azar y mantengo loops que funcionan a nivel tímbrico o emocional; y también uso un montón de operaciones semi-aleatorias cuando trabajo con técnicas de software. En vivo, utilizo instrumentos que invitan a operaciones táctiles e intuitivas - en una especie de collage inestable - equilibradas entre el caos y el control. En estos momentos transitorios, se abren vías inesperadas e interesantes. 

Reuben trabaja de una manera muy similar: genera material utilizando técnicas de software, así como material encontrado, dibujos, fotografía y collage. Luego transfiere todo a un dispositivo de medios táctiles: es básicamente un tocadiscos utilizando material visual en lugar de sonido. Tiene una "biblioteca" semi-caótica de animaciones en tarjetas impresas que mezcla en directo. Así pues física y espacialmente (creo que este elemento físico/cinético es fundamental para la energía generada) hay una matriz de elementos a través de dispositivos y algunas respuestas humanas disruptivas.

b: ¿Qué instrumentos y programas utilizáis para producir vuestras piezas?

S: Música - Ableton Live, Max for Live, platos CDJ, Walkman, grabadora analógica de cinta para loops, el sampler/sintetizador OP1 de Teenage Engineering, efectos.

Visuales - Photoshop, After Effects, Foto-prints, cámara DV, tocadiscos Technics.

b: ¿Cómo experimentáis y practicáis la relación entre lo analógico y lo digital? ¿Cuál es el sentido de volver a lo analógico?

S: Se trata más de la fisicalidad que de lo analógico. Combinamos lo 'virtual' y lo 'físico' como algo que tiene que ver con la presencia y el movimiento en el espacio real.

b: Habéis publicado trabajos que incluían un factor visual en su disfrute, pero ¿cual es el peso performativo de vuestro trabajo? ¿Qué importancia tiene la improvisación?

S: La performance en vivo es parte integral de nuestro proceso. Nos parece que las grabaciones, las películas, etc. son "subproductos" de ésta e instantáneas de estados de energía transitorios. Con ella componemos las condiciones que invitan a los accidentes y a sobreexposiciones y yuxtaposiciones no planificadas.

Pero estamos fascinados con las posibilidades de jugar con el contexto y los medios de comunicación y poner artefactos físicos en el mundo.

b: Cómo relacionáis el trabajo de ambos: ¿es un mero acompañamiento o hay una construcción (no) narrativa conjunta?

S: Los elementos de audio y video trabajan absolutamente juntos en sentido musical y esperamos que generen una energía que sea más que la suma de sus partes.

b: ¿Cómo utilizáis sonido e imágenes encontradas? ¿Tiene un contenido crítico para vosotros en un sentido situacionista, por ejemplo?

S: A menudo, es una manera de abrir vías de trabajo que no esperabas encontrar; a veces es por puro placer estético, armónico y tímbrico; o tal vez para perturbar o desgastar.

En la recontextualización de detritus culturales y de los medios, sobre todo tratamos de generar fenómenos emocionales, psicológicos y perceptivos compartidos. Supongo que también hay un subtexto que puede ser liberador en el sentido de  llamar la atención sobre algo, sobre las posibilidades de jugar con ello y cambiar su significado; puedes viajar del presente al pasado y puedes ser sorprendido y encontrar algo que no sabías que estabas buscando. 

// Original interview in English

The autumn festival that Colectivo Laika has spent years organizing, held the first days of October at the usual scenario at LAVA. Tonal 2015 brought groups like Biznaga, Perro and Crocodiles, who came for the first time to Valladolid. Local groups like Frieda's still in love and Erik Urano & Zar 1 joined them in the second day, with Paul und Destruktion returning once again to tread the LAVA, and the surprising duo Sculpture, whose frenetic audiovisual proposal left us all excited and pleased in equal measure.

Landed from London, Dan Hayhurst music and Reuben Sutherland animation displayed their optomusical agglomerate mixing electronic music and abstract animation in an improvised performance wich is neither vjing nor live cinema, but it left everyone with eyes wide open. We have interviewed them to better understand their work:

bit:LAV: How did you introduced yourselves in the practice of experimental electronic music and vjing?

 S: Reuben’s background is in design, animation and photography, and I’m dealing with a long term music addiction, just brain artefacts that have to come out into the world or I go a bit crazy. I was doing music solo, always thinking about sound in visual terms like places, entities or abstract patterns, and really influenced by experimental film about as much as audible music (e.g. Lillian Schwartz, Len Lye, Jordan Belson) - the way that sort of work is put together, kinetically, energetically, transformatively - I was listening to a lot of musique concrete and tape music too - so when I met Reuben (we were neighbours, randomly) the experiments he was making with the video zoetrope technique of animation and ‘live kinetic collage’ just clicked straight away. We really wanted to put the audible and visible elements together in simultaneous space/time and we knew it was going to work. We did a show with no ‘rehearsal’ at all and it went off, ZOWEE, and there u go.   

b: We are very interested in drawing relational maps, so what are your influences? What is your relationship with the experimental audio-visual scene in London? Do you take part in any group, laboratory, etc.?

S: Reuben’s also really influenced by comic strips and early animation like "Felix The Cat", Fleischer Studios etc., as well as mathematical/geometrical techniques like tessellation, and digital transformations/collage.

We are kind of hermetic and not really part of a group but we’ve been involved with Unconscious Archives, run by expanded cinema/noise artist, Sally Golding, whose work is terrific. We actually met Sally in Madrid when we played together at La Casa Encendida, then Sally invited us to take part in some events in the UK.

I think although we operate on a bit of a tangent to artists’ film and expanded cinema there’s definitely a link with that practice, and the idea of making visible plus audible music. I guess our thing is more club/concert-orientated. Well we sorta metamorph between music/cinema/gallery/film festival scenes and it’s really invigorating for us to get to present work in diverse contexts.

b: What is your creative process? What are your sources?

S: I try to find material that kind of leads the way. Set up conditions where interesting things will happen, and then the role of the artist is like seeker/editor. So for instance I use a lot of found tapes, chop them up at random and keep loops that work on a timbral or emotional level. And I use a lot of semi-random operations when working with software techniques. Then live, I use instruments that invite tactile and intuitive operation - it’s a kind of unstable collage - and just balanced between chaos and control, and in these transitory moments, unexpected and interesting avenues open up. Reuben works in a very similar way. Generating material using software techniques, as well as found material, drawings, photography, collage. Then transferring everything to a tactile media device - he’s basically a turntablist using visual material instead of sonic. He has a semi-chaotic ‘library’ of animations on printed cards which he’s mixing live. So physically/spatially (I think this physical/kinetic element is vital to the energy generated) there is a matrix of elements across devices and some unruly human responses.  

b: What instruments and programs do you use to produce your art work?

S: Music - Ableton Live, Max for Live, CDJ deck, Walkman, Reel to reel tape recorder for tape loops, Teenage Engineering OP1 sampler/synth, effects.

Visuals - Photoshop, After Effects, Photo-prints, DV Camera, Technics Turntable.

b: How do you experience and practice the relationship between analogical and digital? What is the sense of returning to analogical?

S: It’s more about physicality than ‘analogue’. we combine ‘virtual’ and ‘physical’. something about presence and movement in real space.

b: You have published records that included a visual factor in their enjoyment but what is the performative weight of your work? What is the importance of improvisation?

S: Performing live is integral to our process. we feel that records, films etc are ‘byproducts’ of this and snapshots of transitory energy states. We set up conditions that invite accidents and unplanned superim/juxtapositions.

But we are fascinated with the possibilities for playing around with context and media and putting physical artifacts into the world.

b: How do you relate the work of both: is it a mere accompaniment or there is a joint (non)narrative construction?

S: Audible and visible elements are absolutely working together in a musical way, and we hope they generate an energy that is more than the sum of its parts.

b: How do you use found sound & imagery? Does it have any critical content for you in a situationist sense, for example?

S: Often, it’s a way of opening up pathways that you didn’t expect to find. Sometimes it’s for aesthetic/timbral/harmonic pleasure or maybe to unsettle or abrade.

In recontextualising media/cultural detritus we mostly aim to generate shared emotional, psychological and perceptual phenomena. I guess there is also a subtext that can be freeing in the sense of saying, look at this, you can play with it, you can change its meaning, you can travel between past and future, you can be surprised and find something you didn’t know you were looking for.